2272 尋找節奏（1/2）

菲麗希緹覺得自己被困住了。

最開始，只是緊張，可能還有一點點焦慮，首次在大製作之中擔綱重任，心態的微妙變化製造出無形壓力，而久違地在藍禮面前演出——還讓藍禮為自己配戲，那種細微的特別感受著實難以用語言描述。

漸漸地，連續三次都沒有能夠順利通過之後，開始嘗試不同表演方法的排列組合，卻在表演過程中缺少一個堅定的信念——自己所堅信的表演方式沒有能夠成功，自然會開始懷疑自己對角色的領悟和理解是否正確，進而開始探索不同的表演方式，以至於整個表演風格就會出現不確定不穩定的浮動。

變數增多，也就意味著表演狀態不穩。

再然後，事情似乎就這樣僵硬在了一個窠臼里，沒信心導致不穩定、不穩定導致沒信心，形成一個惡性循環，表演的核心也就開始迷失，總覺得自己正在不斷重複自己，卻每況愈下，那種困惑與茫然正在讓人一點一點喘不過氣來，試圖掙扎反抗一番，但根本不知道發生了什麼，也就不知道如何處理。

慢慢地、慢慢地，那種溺水窒息感就逐漸把自己包圍，最後就好像手腳全部都被牢牢捆綁住沉入湖底一般，眼睜睜地看著自己正在被幽藍色吞噬，卻無法做出任何反應，甚至呼救都不行，就只能對著自己發火。

「卡！」

當加里斯再次結束拍攝的時候，菲麗希緹已經分辨不清楚這到底是第幾次了，她根本就不敢抬頭打量觀望導演此時的表情，狼狽不堪地低垂著腦袋，雙手緊握成拳頭，竭盡全力壓抑自己心情的涌動。

片場正在微微響動著那些瑣碎的聲音，反而越發讓拍攝區域顯得安靜起來，導演沒有說話，其他人也就不敢說話。

加里斯不是不想說話，也不是不敢，而是不知道應該說些什麼：他也知道表演狀態不對，但他不知道應該如何調整——其實準確來說，大方向是正確的，但在加里斯腦海里構想的畫面之中，卻總覺得不到位，這種微妙的偏差，他自己都說不上來，又如何傳遞給演員呢？所以，他只能選擇最笨拙的辦法，讓演員一遍一遍地嘗試，在嘗試之中尋找到靈感，期待著最終能夠找到理想狀態中的感覺。

此刻，加里斯也正在細細品味剛剛的表演，某些部分是對的，但某些部分是不對的，那麼應該如何協調呢？還是說，他可以利用鏡頭的剪輯，把整個表演剪碎，最後呈現在大屏幕之上的成品也就沒問題了。

藍禮也同樣正在思考——因為他也是這場戲的一部分，雖然他的台詞只有幾句而已，但加里斯反覆拍攝了八遍，他也就跟著表演了八遍，沒有什麼省力的方式，這也讓他不得不開始思考這場戲的平衡。

站在全局審視群戲表演，這是一件非常有趣的事。「爆裂鼓手」初次擔任製片人，隨後的「侏羅紀世界」和「龍蝦」也都讓藍禮能夠以製片人的身份站在更高的位置來觀察「電影」這個藝術品，儘管他很少干涉導演的工作，也還是給予了他全新視角，對表演工作有了更多的理解。

表演，不是一個人的事情。

以前藍禮就知道這一點，從學院開始老師就反反覆覆地強調這一點，但藍禮的理解始終是相對狹隘的：對手戲，他只是想當然地認為，演員需要與自己的對手戲搭檔互動，只有你來我往之間迸發出火花，才能夠尋找到表演的平衡點；現在藍禮卻打開了眼界，表演應該與鏡頭、光線、音響等等形成互動，就如同舞台劇必須充分利用舞台空間與燈光一般，電影之中，演員也必須學會使用這些武器。

因此，人們才說，表演從來就不是一個人的事情，即使是獨角戲，也不是。這是電影藝術的獨有特徵。

現在這場戲就是最佳詮釋。

加里斯是一位非常善於利用光線變化來調動空間的導演。

我們都知道最簡單的例子，朝陽一面的窗戶越大，那麼室內空間感就越強；反之，室內空間感則會變得狹窄壓迫起來。

在電影之中，這叫做「鏡頭語言」，從光線到運動軌跡再到畫面構圖，還包括了色彩、位置以及背景等等細節運用，購置出一個大屏幕畫面，這使得導演能夠通過畫面來呈現出心理暗示的變化，比如瑞恩-高斯林主演的「亡命駕駛」，導演尼古拉斯-溫丁-雷弗恩就通過巨型燈光的運用，在洛杉磯營造出了類似於北歐城市般豎直、高大、疏離的光線，把整個城市的孤獨和空曠營造出來，這就是鏡頭語言。

加里斯也同樣如此，「哥斯拉」就可以感受到他對光線與色彩的運用，在今天的第一場戲之中也可以初見端倪。

加里斯把會議室的所有主照明全部關閉，只留下電腦或者儀器自帶的光亮；另外，通過會議室背景設置藍綠色的霓虹螢光來確保螢火蟲般的照明效果；最為別出心裁的，無疑是在圓形會議桌的正中央凹槽里安置一枚米白色節能燈，並且罩上霧面燈罩，減弱光亮，達到一種模糊朦朧的光暈效果。

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